1.东方神起五个人的唱功评价，要详细的，一个一个分析的。
2.为什么莫文蔚的《慢慢喜欢你》听起来像是老歌？
3.寻找一首歌其中一句歌词是“我看见是他越过了边界”
4.谁能给我rurutia ＜迷失的蝴蝶＞的歌词？
问题一：如何鉴赏音乐 如何欣赏音乐
（一）
如何欣赏音乐是一个非常老的话题。多少年来，一直有许多的专论。可到底该怎样欣赏音乐，还是有人不明白。其实,欣赏音乐也可以说是一个非常简单的问题，那就是只要你喜欢就行。经常都听到很多人说：“音乐好，就是听不懂。”可我也经常反问他们：你到底要听懂什么呢？音乐这东西，你只要觉得好听就行。何必要这么功利性的搞懂呢？其实真是这样。一首音乐名曲，你只要觉得好听，能让你感动就行了，不一定非去琢磨这曲子是描写的是什么故事。什么曲式、调性、主题那是下一步的事。其实那些都还不是重要的。最重要的是你首先必须要觉得好听，能被这音乐感动。否则再是什么名曲对你也是白搭。至于那些东西是对音乐下一步了解的事。如果你能被音乐感动那就什么都好办。因为你在被感动时，会有一种冲动的想法，你会去思考为什么这音乐让人感动万分。这到底是因为什么？也就这样，你就有了进一步了解音乐的渴望。你想一开始就什么都搞懂那不太可能。
音乐在刚刚开始欣赏时，它所具有的那种音响的感染力太大了，它几乎能让所有听到它的人为之感动。这个时侯的音乐是非常神秘的。它具有巨大的魅力，让人着迷。不管是旋律还是歌词，甚至到伴奏的和声等等，都会让人激动万分。我们可以从喜欢不同音乐类型的人群中看到流行歌曲和浪漫情调音乐的差别。非常明显的是音乐在这个时侯对感官的引诱力太大了，特别是对那些还没有真正接触音乐或较少接触音乐的人更是如此。他们会一下子被它那或委婉的旋律或鲜明的节奏或悦耳的 *** 甚至缠绵的歌词所吸引。也正因为如此，才会有很多人在这个时侯往往把音乐当作一种寄托，当作理想，当作礼物，当作远离现实的逃避，甚至当作是自己的幻想世界。正因为如此，才有人经常参加电台电视台的点歌节目，把自己喜欢的某支歌作为自己的一种心意当作礼物送给别人。因为他们觉得这音乐(歌曲)使自己感动，就好象是自己的心境的表露。当然这无可非议，送什么给别人那是自个的事。一切都是在向前发展的。人不可能永远停留在一个欣赏阶段。在喜欢流行歌曲的人群中有一点是明确的，那就是三十岁以上的人肯定很少。为什么？仅就阅历而言，那些“为了爱梦一生”、“永远相信爱情”真是一场比较虚的事。没有人会永远生活在这样的歌曲里，自己受不了别人也受不了。
（二）
音乐欣赏由浅入深有这么一个过程，即从感性（被音乐感动）到理性认识（探究音 乐知识）又回到感性认识（更深层次的欣赏）这样三个阶段。这是欣赏音乐的必经之路。一个学习乐器的人也许不一定就是一个很好的音乐欣赏者，因为他关注的是技巧。表达与理解不是一回子事。音乐有自己的语言，就象舞蹈中的一招一式都有自身的表达含义，音乐里的 *** 、乐谱、速度、调性也有其含义。在刚一开始期间音乐能从感官上打动你，让你激动让你欣喜。这是一种无意识的审美活动。可如果就此而已，你还是没办法去真正聆听音乐。
音乐具有巨大的感染力。这种感染力不仅是对刚接触音乐的年轻人，对一个饱经风霜、历尽人间艰辛的老人也是如此。只是欣赏音乐的阶段不同，所带来的思想内容也就不尽相同了。在感性认识的阶段，你对音乐的理解还只限于感官感受。如果你在欣赏音乐中不是主动积极的，那么你也许就没法真正去领会音......>>
问题二：怎样欣赏音乐?请你为大家提供四种以上的方法 5分 这个基本有定论，科普兰有关于欣赏音乐的精辟论述，一般世界上都接受他的观点，大致是这个意思： 艾伦?科普兰把倾听音乐分为三个阶段： 1、美感阶段； 2、表达阶段； 3、纯音乐阶段。 1、倾听音乐的最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这就是美感阶段。 在这个阶段听音乐，不需要任何方式的思考，我们在干别的事情时，把收音机打开，便心不在焉地沉浸在音响中了。这时单凭音乐的感染力就可以把我们带到一种无意识的然而又是有魅力的心境中去了。 你此刻可能正坐在屋里看这本书。设想钢琴上奏出了一个音，这个音是足可以立即改变房间的气氛，证明音乐的音响成分是一种强大的和神秘的力量，谁嘲笑或小看这点，谁就会显得很愚蠢。 令人惊讶的是，不少自从为是合格的音乐爱好者在这个阶段养成了不良的听音乐的习惯。他们去听音乐会是为了忘掉自己，把音乐作为一种安慰或解脱。他们进入了一个理想世界，在这个理想世界中人们无需思考日常生活中的现实。当然他们也没有思考音乐。音乐允许他们离开了音乐，把他们带到了一个幻想的境界，这种幻想是由音乐引起的，是关于音乐的，可是他们又不怎么倾听音乐。 是的，音乐音响的感染力是一种强大的和原始的力量，但你不应让它在你的兴趣中占据不恰当的位置，美感阶段在音乐中占有非常重要的位置，但这并不是全部问题的所在。 关于美感阶段无需扯得太远。音乐的感染力对每个正常的人来说都是不言而喻的。然而还存在着对不同作曲家使用的不同音响素材更为敏感的问题。因为并不是所有的作曲家都用同一种方法使用音响素材的。不要以为音乐的价值相当于它诉诸美感的程度，也不要以为最好听的音乐是由最伟大的作曲家写的。如果确实如此的话，拉威尔就应该是比贝多芬更伟大的创作家了。问题在于作曲家使用音响要素的方式因人而异，他对音响的使用方式形成了他的风格的一个组成部分，这一点在聆听音乐时是必须加以考虑的。所以，读者可以看到，即使在聆听音乐的这个初级阶段，也值得取更有意识的聆听方式。 2、倾听音乐的第二个阶段是表达阶段。 我自己认为，所有的音乐都有表达能力，有的强一些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义毕竟构成了作品的内容。全部问题可以用下面的问答式简单地加以说明：“音乐有涵义吗？”我的回答是：“有的”。“你能用言语把这种涵义说清楚吗？”我的回答是：“不能”。这就是症结所在。 在不同的时刻，音乐表达了安详或洋溢的情感、懊悔或胜利、愤怒或喜悦的情绪。它以无数细微的差别和变化表达其中的每一种情绪以及许多别的情绪，它甚至可以表达一种任何语言中都找不到适当的言词的涵义。在这种情况下，音乐家喜欢说音乐只有纯音乐的涵义。他们有时甚至更进一步说所有的音乐都只有纯音乐的涵义。他们的真正的意思是说，找不到恰当的言词来表达音乐的涵义，并且即使能够找到，也没有必要去找。 不过不管专业音乐工作者怎么讲，大多数初学音乐的人还是要制订明确的言词来说明他们对音乐的反应。因此他仍总是觉得“理解”柴科夫斯基要比“理解”贝多芬容易些。首先，为柴科夫斯基的一首乐曲制订内容明确的涵义要比为贝多芬的这样做容易些，容易得多。尤其是，就这位俄国作曲家来说，每当你回到他的一首乐曲上去的时候，它几乎总是向你述说着同一件事情；而你要想说清贝多芬在讲什么却经常是很困难的。任何音乐家都会告诉你，这就是为什么说贝多芬是更伟大的作曲家的缘故。因为每次都向你述说同样内情的乐曲很快会变成枯燥的乐曲；而每听一次都能有细微不同涵义的乐曲则具有更强的生命力。 如果可能的话，你不妨听一下巴赫《平均律钢琴曲集》中的四十八个赋......>>
问题三：深度分析:如何欣赏音乐 音乐是人们抒发感情、表现感情、寄托感情的艺术，不论是唱或奏或听，都内涵着及关联着人们千丝万缕的情感因素。对于音乐的认识相信大家都有自己的感受，而要说真正的欣赏音乐却不一定每个人都是正确的方法。 音乐要懂得欣赏 如何欣赏音乐是一个非常老的话题。多少年来，一直有许多的专论。可到底该怎样欣赏音乐，还是有人不明白。其实，欣赏音乐也可以说是一个非常简单的问题，那就是只要你喜欢就行。经常都听到很多人说：“音乐好，就是听不懂。”可我也经常反问他们：你到底要听懂什么呢？音乐这东西，你只要觉得好听就行。何必要这么功利性的搞懂呢？其实真是这样。一首音乐名曲，你只要觉得好听，能让你感动就行了，不一定非去琢磨这曲子是描写的是什么故事。什么曲式、调性、主题那是下一步的事，那些都还不是重要的，最重要的是你首先必须要觉得好听，能被这音乐感动，否则再是什么名曲对你也是白搭。至于那些东西是对音乐下一步了解的事。如果你能被音乐感动那就什么都好办。因为你在被感动时，会有一种冲动的想法，你会去思考为什么这音乐让人感动万分。这到底是因为什么？也就这样，你就有了进一步了解音乐的渴望，但如果你想一开始就什么都搞懂那不太可能。● 谈音乐的感染力 音乐在刚刚开始欣赏时，它所具有的那种音响的感染力太大了，它几乎能让所有听到它的人为之感动。这个时侯的音乐是非常神秘的，它具有巨大的魅力，让人着迷。不管是旋律还是歌词，甚至到伴奏的和声等等，都会让人激动万分。我们可以从喜欢不同音乐类型的人群中看到流行歌曲和浪漫情调音乐的差别。非常明显的是音乐在这个时侯对感官的引诱力太大了，特别是对那些还没有真正接触音乐或较少接触音乐的人更是如此。他们会一下子被它那或委婉的旋律或鲜明的节奏或悦耳的 *** 甚至缠绵的歌词所吸引。也正因为如此，才会有很多人在这个时侯往往把音乐当作一种寄托，当作理想，当作礼物，当作远离现实的逃避，甚至当作是自己的幻想世界。音乐的感染力是巨大的 正因为如此，才有人经常参加电台电视台的点歌节目，把自己喜欢的某支歌作为自己的一种心意当作礼物送给别人。因为他们觉得这音乐(歌曲)使自己感动，就好象是自己的心境的表露。当然这无可非议，送什么给别人那是自个的事。一切都是在向前发展的。人不可能永远停留在一个欣赏阶段。在喜欢流行歌曲的人群中有一点是明确的，那就是三十岁以上的人肯定很少。为什么？仅就阅历而言，那些“为了爱梦一生”、“永远相信爱情”真是一场比较虚的事。没有人会永远生活在这样的歌曲里，自己受不了别人也受不了。 音乐欣赏由浅入深有这么一个过程，即从感性（被音乐感动）到理性认识（探究音乐知识）又回到感性认识（更深层次的欣赏）这样三个阶段。这是欣赏音乐的必经之路。一个学习乐器的人也许不一定就是一个很好的音乐欣赏者，因为他关注的是技巧。表达与理解不是一回子事。音乐有自己的语言，就象舞蹈中的一招一式都有自身的表达含义，音乐里的 *** 、乐谱、速度、调性也有其含义。在刚一开始期间音乐能从感官上打动你，让你激动让你欣喜。这是一种无意识的审美活动。可如果就此而已，你还是没办法去真正聆听音乐。● 音乐具有巨大的感染力 这种感染力不仅是对刚接触音乐的年轻人，对一个饱经风霜、历尽人间艰辛的老人也是如此。只是欣赏音乐的阶段不同，所带来的思想内容也就不尽相同了。在感性认识的阶段，你对音乐的理解还只限于感官感受。如果你在欣赏音乐中不是主动积极的，那么你也许就没法真正去领会音乐的真谛。比如《蓝色多瑙河》这首脍炙人口的名曲，在感性认识阶段，我们会觉得它十分动听，其实我们仅仅只是被那起伏的旋律和三拍子的圆舞曲节奏以及这首名曲的故事名声以及其他因......>>
问题四：音乐鉴赏的步骤 艾伦?科普兰把倾听音乐分为三个阶段：
1、美感阶段；
2、表达阶段；
3、纯音乐阶段。
1、倾听音乐的最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这就是美感阶段。
在这个阶段听音乐，不需要任何方式的思考，我们在干别的事情时，把收音机打开，便心不在焉地沉浸在音响中了。这时单凭音乐的感染力就可以把我们带到一种无意识的然而又是有魅力的心境中去了。 你此刻可能正坐在屋里看这本书。设想钢琴上奏出了一个音，这个音是足可以立即改变房间的气氛，证明音乐的音响成分是一种强大的和神秘的力量，谁嘲笑或小看这点，谁就会显得很愚蠢。
令人惊讶的是，不少自从为是合格的音乐爱好者在这个阶段养成了不良的听音乐的习惯。他们去听音乐会是为了忘掉自己，把音乐作为一种安慰或解脱。他们进入了一个理想世界，在这个理想世界中人们无需思考日常生活中的现实。当然他们也没有思考音乐。音乐允许他们离开了音乐，把他们带到了一个幻想的境界，这种幻想是由音乐引起的，是关于音乐的，可是他们又不怎么倾听音乐。
是的，音乐音响的感染力是一种强大的和原始的力量，但你不应让它在你的兴趣中占据不恰当的位置，美感阶段在音乐中占有非常重要的位置，但这并不是全部问题的所在。
关于美感阶段无需扯得太远。音乐的感染力对每个正常的人来说都是不言而喻的。然而还存在着对不同作曲家使用的不同音响素材更为敏感的问题。因为并不是所有的作曲家都用同一种方法使用音响素材的。不要以为音乐的价值相当于它诉诸美感的程度，也不要以为最好听的音乐是由最伟大的作曲家写的。如果确实如此的话，拉威尔就应该是比贝多芬更伟大的创作家了。问题在于作曲家使用音响要素的方式因人而异，他对音响的使用方式形成了他的风格的一个组成部分，这一点在聆听音乐时是必须加以考虑的。所以，读者可以看到，即使在聆听音乐的这个初级阶段，也值得取更有意识的聆听方式。
2、倾听音乐的第二个阶段是表达阶段。
我自己认为，所有的音乐都有表达能力，有的强一些，有的弱一些，所有的音符后面都具有某种涵义，而这种涵义毕竟构成了作品的内容。全部问题可以用下面的问答式简单地加以说明：“音乐有涵义吗？”我的回答是：“有的”。“你能用言语把这种涵义说清楚吗？”我的回答是：“不能”。这就是症结所在。
在不同的时刻，音乐表达了安详或洋溢的情感、懊悔或胜利、愤怒或喜悦的情绪。它以无数细微的差别和变化表达其中的每一种情绪以及许多别的情绪，它甚至可以表达一种任何语言中都找不到适当的言词的涵义。在这种情况下，音乐家喜欢说音乐只有纯音乐的涵义。他们有时甚至更进一步说所有的音乐都只有纯音乐的涵义。他们的真正的意思是说，找不到恰当的言词来表达音乐的涵义，并且即使能够找到，也没有必要去找。
不过不管专业音乐工作者怎么讲，大多数初学音乐的人还是要制订明确的言词来说明他们对音乐的反应。因此他仍总是觉得“理解”柴科夫斯基要比“理解”贝多芬容易些。首先，为柴科夫斯基的一首乐曲制订内容明确的涵义要比为贝多芬的这样做容易些，容易得多。尤其是，就这位俄国作曲家来说，每当你回到他的一首乐曲上去的时候，它几乎总是向你述说着同一件事情；而你要想说清贝多芬在讲什么却经常是很困难的。任何音乐家都会告诉你，这就是为什么说贝多芬是更伟大的作曲家的缘故。因为每次都向你述说同样内情的乐曲很快会变成枯燥的乐曲；而每听一次都能有细微不同涵义的乐曲则具有更强的生命力。
如果可能的话，你不妨听一下巴赫《平均律钢琴曲集》中的四十八个赋格主题。一个主题接一个主题地听。很快你就会意识到每一个主题都反映着一种不同的情绪。你还会很快地意识到，主题愈是......>>
问题五：音乐鉴赏怎么写 1.写出音乐出处，它的背景是什么（如：是歌手因为什么唱的，曲是创作者在人生什么阶段写的）
2.从乐器章节放面
3.引入别人对歌的感想
4.写出自己的感想（从多个角度如：艺术，听上去的感受，以及自己对这首歌的理解，适合在什么情况下听）
希望能帮到你
问题六：怎样欣赏古典音乐 其实听古典音乐每个人的感受收不同的。
我很喜欢巴赫的 无伴奏小提琴奏鸣曲和组曲 ，都是我的朋友听了说那是噪音（看玩笑的，其实他非常喜欢古典音乐）。
所以，不要在乎别人怎么说，也不要管那个艺术成就比较高――你所应该在乎的是你自己对音乐的喜爱。倘若太在乎学术上的的东西反而会影响听音乐的感受吧。
退一步讲，哪些伟大的音乐家留下这么多经典之作，到底是为什么？
是为了让后人研究吗？
我想最大的意义不是这样的（当然不是反对乐理的研究），而是应该让我们能够和他们一起分享这份美丽吧。
所以，不要在乎权威的评价――因为你对古典音乐的热爱，就是对那些已故的巨匠最大的安慰。
言归正传
先查有关作者的资料，了解一下。然后将交响乐分为几个部分，分段欣赏。听一下各部分均使用的什么乐器，最后把自己的感受写下来。找朋友或老师交流一下意见。
其实我也不是专业搞音乐的，只是喜欢欣赏而已，建议你先从施特劳斯家族的圆舞曲开始欣赏吧！施特劳斯家族的曲子比较简单，既不像古典时代的曲子那样严谨，又不像肖斯塔科维奇他们的曲子那样复杂。当然，本人最喜欢的还是巴洛克音乐，尤其是巴赫的管风琴曲，还有维瓦尔第的协奏曲，感觉他们才说出了人生的真谛，但是这些曲子比较严谨，一开始不容易接受。
至于书嘛，我感觉如果不想当专业人士就没必要，就像如果不想专门研究英语语言学就不用看语法书一样。主要还是要多欣赏，我有这样的感觉：有时偶尔回想起来几年前听过的一首曲子，就会忽然感觉全理解了，而当时无论怎样思考也是不管用的。
怎样欣赏交响乐？
有些人认为交响乐高不可攀，无法理解。殊不知，它象文章一样，也有深浅之分，只要懂得欣赏方法，入门是不难的。因为它所反映和描写的毕竟是人类的生活和人类的思想感情，普通的人，入了门，就可由不懂到懂，由知之不深到渐入佳境。当然在欣赏较高深的交响乐时，需具备一定的、相应的生活经历和较高的文化水平，“必须用自己的经验、印象和知识的积累去补充。”
下面介绍几种不同的交响乐，简单地谈谈欣赏的方法：
交响乐中有一类叫“音画”的，以描写自然界及生活的景物为主要内容，比较通俗易懂。如俄国的作曲家莫索尔斯基的《展览会中的图画》，鲍罗廷的《中亚细亚草原》，德国大作曲家贝多芬的《田园交响乐》，法国作曲家印象乐派创始人德彪西的《大海》，都可以说是这一类作品。听《大海》乐曲，听者如处大海之滨，从黎明至中午，鉴赏着大海的色、光、声、形的变幻，时而感到狂风怒号，时而是拒浪拍岸，时而是波光浮动，时而又是浪花四溅，真是瞬息万变。欣赏这些作品，加上丰富的想象，无形之中，就可得到概念性的联想――大自然多美好、生活多有趣，万物生长不息。
交响乐中有一类叫“舞曲”，它的民族风格极浓，乐曲比较短小，感情比较单纯，旋律也比较清楚，大多描写风俗性的节日欢乐活动，有载歌载舞的特点。也有从舞剧中剪取片断成为单独的器乐曲。此类交响舞曲，易于理解，很快地就能普及起来，如奥国的约翰?斯特劳斯的四百余首圆舞曲，法国拉威尔作的《波莱罗舞曲》，捷作曲家德沃夏克的《斯拉夫舞曲》，德国勃拉姆斯的《匈牙利舞曲》，我国作曲家的《瑶族舞曲》等等，都属于交响舞曲。
在交响乐曲中，有一类有故事情节的，一般均有标题或每乐章有小标题。此类乐曲大多取材于民间熟悉的、广泛流传的戏剧、诗歌、传说、神话、、故事等，如俄国里姆基基?考萨考夫的《天方夜谭》（组曲），是从 *** 神话《一千零一夜》取材；法国比才的《卡门组曲》根据同名歌剧的音乐剪辑；我国何占豪、陈刚的《梁祝小提琴协奏曲》根据“梁山伯与祝英台”的民间故事。
这些乐曲，并不象戏剧、文学、诗歌、曲艺、......>>
问题七：纯音乐音乐鉴赏如何写？ 1开始给人的感觉
2曲中蕴含的情绪（使用的乐器，模仿的声音等）
3最后的感受与体会
问题八：怎样欣赏音乐 音乐是通过有组织的音(主要是乐音)所形成的艺术形象，表现人们的思想感情，反映社会现实生活的艺
术。创作、演奏(演唱)和欣赏，是音乐艺术实践的三个方面。欣赏音乐是一种审美活动。美的标准是由一定时代、一定民族、一定社会群体的审美趣味所决定的。欣赏音乐有三个阶段：1、官能的欣赏；2、感情的欣赏；3、理智的欣赏。官能的欣赏主要满足于悦耳(即好听)，是比较初浅的欣赏。要对一个音乐作品进行全面的领略，从而获得完美的艺术享受，就必须进入感情的欣赏和理智的欣赏。
要从官能、感情和理智三方面全面地欣赏一个作品，就要具备以下几方面的知识：1、作者和作品的时代背景。2、作品的民族特征。3、作者的创作个性。4、作品标题的内容。5、音乐语言的表现功能。6、曲式和体裁。其中音乐语言的表现功能及曲式和体裁知识，是基本乐理的常识。下面对这两项基本乐理的常识，做简单介绍。
旋律又叫曲调，是按照一定的高低、长短和强弱关系而组成的音的线条。它是塑造音乐形象最主要的手
段，是音乐的灵魂。
节奏是各音在进行时的长短关系和强弱关系。由于不同高低的音同时也是不同长短和不同强弱的音，因此旋律中必然包含节奏这一要素。
节拍是强拍和弱拍的均匀的交替。节拍有多种不同的组合方式，叫做“拍子”。正常的节奏是按照一定的拍子而进行的。
速度是快慢的程度。为使音乐准确地表达出所要表现的思想感情，必须使作品按一定的速度演唱或演奏。
力度是强弱的程度。音的强弱变化对音乐形象的塑造也起着很重要的作用。
音区是音的高低的范围。不同音区的音在表达思想感情时各有不同的功能和特点。
音色是不同人声、不同乐器及其不同组合的音响上的特色。通过音色的对比和变化，可以丰富和加强音乐的表现力。
和声是两个以上的音按一定规律同时结合。 *** 进行的强和弱、稳定与不稳定、协和与不协和，以及不
稳定、不协和 *** 对稳定、协和 *** 的倾向性，构成了和声的功能体系。和声的功能作用，直接影响到力度的强弱、节奏的松紧和动力的大小。此外，和声具有渲染色彩的作用。
复调是两个或几个旋律的同时结合。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定时间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。
调式是从音乐作品的旋律与和声中所用的高低不同的音归纳出来的音列，这些音互相联系并保持着一定的倾向性。而调性则是调式的中心音(主音)的音高。在许多音乐作品中，调式和调性的转换和对比，是体现气氛、色彩、情绪和形象变化的重要手法。
音乐语言的各种要素互相配合，具有干变万化的表现力。旋律尽管是音乐的灵魂，但其他要素起了变化，音乐形象就会有不同程度的改变。在一定条件下，其他要素甚至可起主要作用。例如，贺绿汀的管弦乐曲《森吉德马》，第一段轻柔缓慢，用拖长的 *** 和陪衬声部来烘托旋律。开头由双簧管和长笛吹出富于田园风味的曲调，在弦乐器 *** 的衬托下，音色显得柔和而平静，描写了辽阔的蒙古草原的美丽景色。后来旋律先后改由圆号、小提琴和小号吹奏出，色彩渐渐明朗起来。第二段快速而强劲，弦乐器拨弦奏出轻快活跃的伴奏音型，旋律和第一段相同，音色也改变不大，但由于速度、力度以及伴奏乐器的节奏都起了变化，因此表现了不同的音乐形象，反映了内蒙人民载歌载舞的愉快生活。
另外，还有曲式，是音乐材料排列的样式，也就是音乐的结构布局。曲式有乐段、多段式、回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式、混合曲式、套曲形式等。另外，还有中国古典和民族乐曲独特的曲式。曲式是为表现不同音乐形象、内容的需要而设置的。
体裁是......>>
东方神起五个人的唱功评价，要详细的，一个一个分析的。
歌曲：暗恋
歌手：张智成 专辑：暗恋
四目交接的时候不要停留太久
适可而止的问候关心不能太过
好奇也别去探索妒嫉只能深锁
如果忍不住寂寞也不能对你说
啊好朋友啊我的好朋友
不小心的沉默不能让你太难过
我们就站在落地窗的两边
就算触碰也有了界限
如果跨越过彼此那道边界
是靠近还是更遥远
相信我们走到另一个境界
搭肩高唱友谊万万岁
要是我爱你变成了语言
什么会多一些什么会少一些
就让别人去猜测我们清白的很
就让自己去承受那种清白的闷
就算我只是朋友能不能有要求
如果你发生什么也是我想太多
啊好朋友就只是好朋友
不小心说出口微笑中藏着难过
我们就站在落地窗的两边
就算触碰也有了界限
如果跨越过彼此那道边界
是靠近还是更遥远
你会不会也曾闪过这感觉
一念之间就要差一点
要是我爱你变成了利剑
什么会被消灭什么才会复原
那是我的底线继续将你暗恋
为什么莫文蔚的《慢慢喜欢你》听起来像是老歌？
这是在网上看到的
在中：
在中的不好分析。一方面是花花的长相让人忘记他是东方神起的主音，另一方面听了他的歌声又会觉得没有什么好写的。其实不然，花花唱中音，也就是和声的时候唱主音是有原因的，他的中音很有特点。
先不谈他唱主音的部分。花花的唱歌其实很不错的，特别是声，应该可以说是标准的声的发声，可以唱得很高，而且很稳定。听《Tonight》(我空间的歌,可能你现在正在听)的时候，在高潮的时候，是高音的轮唱，但是最后有一个很高很细的声音没有听出是谁的，不过唱得很了得，稳定得可能有些女声也达不到那种程度。后来看MV，是花花的声音，不禁对他的唱功佩服。他的高音可以做宽高和细高，宽高的话可以听《Rising Sun》，虽然无法避免的有后期的制作，但我觉得他唱宽高音不会比昌珉差。如果说昌珉是天生的嗓子好的话，那在中就得益于他的唱功。
花花是为数不多的，能够高低音都唱的很好，很稳定的。而且很适合唱Live，秘奇的Live不是我说，确实是声音很小，秀秀的唱功好，音量大，缺点就是话筒有时候没有吸音，显得杂了些，而且会把气口彰显。但是花花的Live就会让人听得到CD的效果。因为花花唱歌是很轻的，这个秘奇的唱法是两回事，轻并不代表音量小，秘奇音量小的原因是，气息不够好，而且喜欢发鼻音。花花的轻柔的唱法，得益于他良好的气息。
这种气息就是理论上要求的控制型的气息。刚刚说高音是用气息带，这种带有两种，一种是气息随着声音往上走，一起出来，唱出来会给人感觉是喊的，其实不然，喊也分喊得上和喊不上的。另一种就是花花的这种，把气息往下沉，而声音往上走，这样的音不完全是从口腔中发出的，还有一部分是从眉心出来的，很多人不能理解眉心怎么发出声音，其实这也是一种理论上的想象。完全从口腔出来的话，声音是直接出来的，而这种所谓从眉心出来的，是声音在头部发出共鸣的效果，而从口腔出来的声音是共鸣音的一部分，而眉心的说法是让唱歌的人意念集中，发声的部位往上走。既然有共鸣音自然杂音会少一些，但音量不减。如果气息好的话，音量就可以受到气息的控制，而且声音会很自然。很多人觉得花花的身材很好，可能是觉得他胸部的肌肉比较发达，一方面是他勤于运动，还有一方面就他有很好的肺活量，能帮助他很好的唱歌。
有这么好的气息，唱中音就会很有特点了，既可以用好的音色直接用喉咙唱，又可以用好的气息轻柔的发声。花花这两点做得很好，唱稍微高一点的音喜欢用后者，当然如果高音过多的用嗓子是有损害的。而且衔接得还不错，仔细听的话，或是看Live，就只会发现有一个气口，音量和音色没有大的变化。和声的时候用这种主音是最好的，自己很稳定，既不会受到别人的干扰，也不会干扰被人。其实神起唱的时候，特别是Live，基本上每一句都做和声，但一般是简单的不带词的，只能是伴唱，因为大家的声音都太有特色了。但花花做主音的和声时，还是很和谐的，主要是他唱歌音很纯正，没有杂音。有时候花花做和声，会让人听不出是他唱的，因为很贴合旋律的那种，像《相信》在高潮的时候，花花有一个高音的和声，不看Live真的发现不了是他唱的，反而秀秀的很明显。事实上，与其说是声音不明显，不如说是花花的高音和气口做得很好。
但是很多人都会忽略花花的唱功，首先他唱得还是属于比较轻松的，至少给人的感觉很轻松的，自然觉得没有什么技术含量，我觉得花花是唱出了境界才能如此。其次他的声线很纯，我初听他唱歌的时候觉得唱得很像童声，气息太好太自然会让人产生错觉。最后花花长得太好了，有时候太完美也是一种错误。
花花唱歌的缺陷，我觉得是嘴巴给人一种张不开的感觉。在《HUG》时期还很不错，但是到了《相信》的时候，可能是走成熟一点的路线，也没有了那种婴儿肥的感觉，就不喜欢把嘴张得开一点了。因为花花瘦了以后，颧骨会显得很分明，笑起来不好看，唱歌时嘴巴张得较开的话，也是这种效果。到后来演变成，花花只要一笑就习惯性用手捂住嘴，唉！嘴巴张不开，还有一个原因，是他的发声，因为气息好，声音不是直着出来就没有必要把嘴张得很开。而且嘴张大的话，气息不好控制。
他的气息控制的程度可以从他唱中文歌里面听出来，只要是字是卷舌音的话，花花都做得很标准，其实卷舌音于平舌音最大的不同就是气息发出的方式，花花一方面是卷舌做得很到位，另外就是他的气息不是直接出来的，在口腔里面还有一个控制，听他说话就有这么一个习惯。其实有时候歌手说话的发声方式直接影响到唱歌的发声。花花的气息还是很不错的，控制型。至于嘴型的问题，个人认为看Live会觉得比较别扭吧.
俊秀:
他的声音本身很有特点，有点嘶的那种，但不算哑，所以很好听，再加上秀秀的唱功了得，喜欢他声线的人很多。他自己讲是因为变声期所以声音变成这种样子，但是听了他童声时代的歌，觉得声色没有变很多，只是正常的，低和粗了一点。
至于他声音比较嘶，个人认为跟他的发声方式有关系，秀秀无论讲话还是唱歌都是咬字很清楚的，虽然我听不懂韩文，也不能确信他的发音是否标准，但我的感觉就是咬字很清楚。看他唱歌的时候，口型的变化是很明显的，可能是对口型的原因。（PS一句：我怀疑他们的《Rising Sun》根本没有唱过Live，那时候看Showcase的时候有明显的唱我很气愤，后来朋友讲这种歌纯粹是为了Show舞蹈，但是在中却受伤。5～）但是秀秀讲话的口型也很分明，这跟平时的发声习惯有关。口型变化比较明显的话，气息就不好控制，而且秀秀在发带“s”的音的时候，气声特别明显。秀秀唱歌的特点就是气声，一般这种声音比较嘶一点的歌手发，气声都很有特点，也是很多人喜欢听的原因。
这种气声还带到了声里面，秀秀唱高音用声，不同与传统意义上的声，一般来讲声是不带气息的。事实上唱高音，先是用真声和气息带，发音的位置是很高的，理论上是后脑勺的位置再从眉心出来，秀秀唱中音的时候位置大概是比这里低一点，只是嗓子没有那么放松，其实还是跟他的发声方式有关，影响了气息。位置的高低决定于气息，如果有一部分气息用于了吐字，那么发声的位置必然会低一些。
如果高音用真声唱不上去的话，就只能用声，声是用声带的变换，所以发声的位置就到了喉咙，也就是说降低了。从真声的最高音到声的过渡是最难的，做不好的话很明显，听的感觉最明显的就是声音本来很大，突然音量就小了。而且对于男声来说更难，女声唱声，在最高位置只要把声带稍微再拉长一点就到了声了，而男声的声带比较的粗和宽，可能拉长一点的话到不了那个音高，反而容易破音。（PS：昌珉就是典型例子，其实他每次破音都是想用声的缘故，但是声带较宽，所以他唱高音的时候，一般还是用的真声，那时候气息是全部带出来，而不是沉在所谓丹田处。当然这也跟他本身的音域宽，能唱这么高的音有关。）
秀秀的声带还是比较细的，所以他用声不是很困难，而且基本功很扎实，也不会唱破。但是还是有一个喜欢代气声的习惯，所以给人的感觉是真声变声的时候要抽一口气，其实是发声的习惯。他这种唱声带气息的方法，其实就是唱所谓“海豚音”的方法，还是很难的。女声不习惯带气声，而男声有的声带不够细，不能唱这种声。
天生的独特嗓音，加上有个人特色的发声方式，再加上扎实的唱功，就是秀秀的声线了。不过他这种唱法的歌手，在韩国有很多。比起气息，更依赖于嗓子，每一句的气口很明显，但给人的感觉就是所谓的唱功好。但如果每一句都这么唱的话，听的人也会很累的。并不是特别推崇这么唱。会给嗓子很重的负担，像神起每年这么多的演出加上演唱会，又没有什么休息，嗓子真的吃不消。
昌珉:
虽然SM宣称东方神起是没有主唱的组合，五位都是VOCAL，但是个人觉得有天和允浩的唱的部分比较少一些。昌珉应该说是次主唱，这个位置跟他的声线有关。昌珉自己也说过，他的声音不是很有特点，也不是没有特点。当然世界上没有两片相同的树叶，自然即使是再普通的声音也要自身的特点，但必须得承认昌珉的声音不是那种一听就能辨别的声音。这也就是那么多人哈秀秀那条声线的原因.
事实上，在高度商业化的包装，流水线的音乐制作，要让乐迷记住你，要不是个性化的音乐，要不就是有特色的声线。（PS：周杰伦就是两个兼有，貌似韩国人也很喜欢他的音乐，比起千篇一律的韩式舞曲和情歌，他的音乐很有特色。同时比见得他唱得有多么好，但确实是令人难忘的声音。）有特色的声线也有两种，一种是美的让人无法忘记，像帕瓦罗蒂式的美声，另一种就是个性的声音。其实东方神起里面，花花属于前者，秀秀属于后者。而昌珉就处于一个两难的境地。但是他的声线有一个很不错的条件就是音域比较宽，高音是典型男生的宽高音，有好的歌曲的话还是很能凸显他的声音的特点的。在《Rising Sun》里面小Show了一点，但个人认为要有一首类似于信乐团的《死了都要爱》的歌才能充分展示他的声音。他发声的时候，口腔不是那种饱满的圆形，喜欢稍微扁一点的发音，而且重音很明显，他唱重音，不仅重在曲子上，还重在歌词上，典型的男生的唱法。个人认为他倒是适合当乐队的主唱，而不是这种清唱组合。
昌珉的缺点就是唱歌容易破。貌似唱《One》也会破的那种，《Rising Sun》另当别论，我似乎从来没有听过Live。他破音基本上是唱声的时候，声带较宽拉不上去，气息又不够好，顶不到最高音，所以就破了。事实上他完全可以用气息带喉咙唱高音，但是有些歌曲不能这样处理。像Showcase上面的《I Love You》昌珉就是用声处理的高音，幸好没出什么大的BUG，但也算不上很好。听了这首歌的原版，个人怀疑不是原版，很一般的那种，不禁心里为昌珉加了分。但是后来听了神话的主唱申彗星的版本，还是不禁感慨啊！先不说人家唱得有多么好，就说昌珉的差距。一个是感情上的，这种情歌是需要感情的浇灌的，昌珉还是个孩子没有什么感情经历自然在这些方面有所欠缺。其次是声线上面的，昌珉的声音演绎这种歌曲不够细腻，我觉得如果他的发声方式有所改进的话，应该会好一些。（PS：昌珉最喜欢的艺人里面就有申彗星，应该是因为声音和唱功吧！）
有时候觉得昌珉唱歌不够稳定。破音也是不稳定的表现。不稳定说白了就是控制不好音。控制音有两种，一种是嗓子控制，很多唱功好的歌手这点做得很好，还有一种是气息控制，其实像美声都是用气息控制的，我还是要说花花的气息控制很不错。昌珉习惯用前者，因为他唱歌有时候会比较的白，他这种声线的人习惯用嗓子一些，但是音域宽确实不好控制。
整体来说，昌珉还是不错的，神起里面我觉得是排第三的。秀秀和花花不分伯仲。(PS:我个人比较喜欢在中的声线)
允浩：
再次申明官方的说法，东方神起是“清唱舞蹈组合”。允浩可能会偏重舞蹈一些。当初选秀的时候拿的也是舞蹈的奖。（PS一句：花花当时真的跟现在有天壤之别，竟然拿了最佳形象奖之类的，意思是长得好啦！难道SM会预知他经过包装后会变得如此绝美？）所谓“清唱”，个人认为与无伴奏唱还是有区别的。追溯“清唱”一词的来源，应该和“清唱剧”联系起来，它是有乐队伴奏的，但是与歌剧不同在于没有动作、服装和布景。那么我认为的所谓“清唱”就容易理解了，在舞台上没有过多的表演，只是专注与演唱。这在韩国乐坛还是比较少的，而且神起有一个习惯就是喜欢坐在椅子上演唱，这种可以属于“清唱”。“舞蹈”组合其实还是SM不忘本，他们做得最好的，也是使他们壮大的就是“舞曲（Dance）”。所以2辑的主打歌《Rising Sun》就是所谓的S.M.P.，5个人分工明确的演绎了这首歌。
允浩的声音是典型的男生变声后的声音，唱出来比较的白的感觉。不过我记得一个老师说过，十个女生中有8个能唱歌，而且可以唱得很好；而十个男生中只有2个可以唱歌，唱得好的就更少了。允浩属于可以唱的那种，但比起上面3位还是要逊色些。不过他的声音很适合唱Rap，声音低一些，节奏感会强一些，而且会稳很多。唱的方面他个人的部分比较少，我曾经看过一个贴子，不记得是那个成员说的了，“允浩每次要分最少的歌，上最多的节目。。。”。不排除有身为队长的一种责任，同时也是本身声音的限制。他本身就是最低音（BASS），还要他唱高音不现实，而且神起的歌，音普遍偏高。（PS：《相信》的最高音到了High High E）还有一点，允浩的声音比较的粗，听起来有些生硬，但是从这几张曰本单曲听来，还是柔和了很多，加上阅历的丰富，性格上的成熟，演绎起抒情的歌曲还是有模有样。
允浩唱歌太依赖嗓子，这样不好，而且很明显很吃力。仔细看Live会发现，他唱歌下巴是往上翘的，这可以说是犯了大忌，这样出来声音绝对是嗓子喊的，没有用气息。为什么我一直强调气息，气息有一个很好的作用就是减轻声带的负担。这次允浩病得这么严重，都是这孩子太努力了。而且SM给他们的工作安排得满满当当，那么多演唱会、演出，还有专辑、单曲的制作，都用嗓子唱真的吃不消。所以用好气息也是减轻负担的一种好方法。
有天:
其实我个人是最喜欢秘奇的，但是抛开个人喜好，客观的说，秘奇唱歌真的很一般。
比起允浩他的声音条件要好一些，声带没有那么粗，而且很有磁性。至今没有搞懂声音有磁性是怎么一回事，但是自己尝试好像是声带振动的问题。可能振动的次数比较多的话，稳定性就没有那么好，这也是秘奇唱歌的最大问题。花花的声音是最稳定的，听他唱的话，吐字的重音一出来，然后声音是逐渐增大的，有的像声波传播的那种感觉，是最自然的。而秘奇则是，重音一出来，就突然小了。像Showcase上面的《I know I love you》就是典型例子，唱着唱着就没有声音了。可能这样才喊昌珉出来唱的吧！（PS：不过他选歌也有问题，那首歌音太高了，到最后是昌珉的声都上不去，我整个听到的是音源的声音。）
不稳定的原因是他的发声方法的问题。他和允浩都有一个不好的地方，喜欢把下巴往上翘，声音会很白。不过他出来的效果要好很多，因为他很大一部分是鼻音。为什么出来的是鼻音，不能全部说是刻意的。
看Live会发现秘奇唱歌的时候，肩膀是耸起来的，而花花和秀秀、老幺，全部都是放下来的。唱歌的时候肩膀的动作很自然的反映出气息的位置，如果气息比较沉的话，肩膀是放下来的，但如果气息直接在肺里面的话，肩膀就是耸起来的。一般唱歌要求的是“腹式呼吸法”，所谓“气沉丹田”，就是在腹部。比起肺，腹部的肌肉收缩容易控制一些，也就是气息好控制一些。
首先气息就不够沉，那么找高的位置就有难度。好在秘奇还是懂得一点，声音要找高的位置有一个方法，就是抬起眉毛。理论上是扬起眉毛能有助于声音往上走。但是秘奇的气息不够沉，就找不到那个高的位置。就比方说，人往上跳，因为脚没有触地，受到重力的作用，会往下掉，是一个道理。既然到不了那么高，就大概会在鼻子的位置，加上他唱歌的振动比较厉害，鼻音的效果还是不错的。
但是仔细看秘奇的Live会发现因为气息不好，有点恶性循环的感觉。下巴往上翘，喉咙处很紧，换气的时候抽得很厉害，抬眉毛找不到高的位置，表情痛苦。这都是跟理论上的要求相违背的。他和花花的Live是最明显的对比。换气的时候抽气跟秀秀也不同，秀秀抽是在声带的位置，而秘气明显是抽气，肺部扩张的很明显。这样换气很累，而且一口气唱不了两句。我觉得他如果想提高Live的质量，倒是可以换气的时候把话筒拿开一点，很多的歌手都注意这一点，昌珉唱抒情歌曲的时候也喜欢这样，这是一个立竿见影的办法。
另我奇怪的是，秘奇竟然很喜欢去唱高音。或许如他的名字一样，是歌坛秘器，神秘的人。《傻瓜》的那个华丽的高音我听CD的时候还真没有辨别出来，后来在Showcase里面见识了Live。那个高音是纯声，他唱声的优势在于，别人是从最高位置到喉咙有一个落差，音量有明显变化，但是他只要从鼻子的位置到喉咙，会轻松很多。而且鼻子的位置顶的音没有头顶的那个音用的力气大，所以难度要小很多。再有他本来声音不大（PS：还是气息的原因），所以听上去也没有那么突兀。他的声的方式和花花的很像，不求把声带拉得很长，到了那个音马上把嘴巴压扁，可以防止破音，而且自然很多。其实秀秀那种拉长声带的声带气声的唱法的人有几个呢？
个人认为他倒是很允浩两个人的Rap搭配的人不错，也是很适合他声音条件的。
至于他的英文念白好听，个人研究不多。但琢磨了一下，一个是他有纯正的美式发音，新东方的王强老师说，美国人说英语是波浪型的，英国人说英语是心电图型的，而歌曲要有好的艺术效果也要求每一句是波浪型的，虽然是念白，但是能够念成波浪型的话，自然动听一些。再有一个，秘奇是很有魅力的人，神话的老大Eric也是这种魅力型的念白，迷死人无数啊！不过可以肯定的是，念白秘奇是刻意用的鼻音，而且是类似于唱歌中哼鸣音的方法，振动很强烈。总之，这么多人喜欢不是没有理由的。
以上是五只的唱功及声音特点，是转的，下面是另一些看法。
我本命是在中，所以十分喜欢在中的声音，俊秀的唱功也是很强，而且俊酱的声音很特别，打个比方说，俊秀的声音飘，好像一张网，把人罩在其中、逃出不来，缠绵不绝。最后是在中，我习惯用两个词来概括他的声音，美丽、温暖；说长一点就是，在中的声音很治愈，细密甜润，沁入人心。
出于我的私心，我想多说说在中的唱功。
在中的歌声里你是听不到混杂了鼻音的真声，也不会听到撕裂的高音。我们能够欣赏从低音到到高音均列出的漂亮的光谱画面一样的声音。看似容易，实则一部作品从开始直到最后关头，最不容易维持的就是“基本”。在中把这个基本做到的全然没有遗憾，太轻松，以至于人们根本无法体会到技术能力上的高超水平。因为在中的歌声里没有让听者担心嗓音随时要破的“紧张不安感”。
依靠牢固的“基本”，在中的歌声稳当而有力，即使唱极限高音部分都没有不安感。
在《Tonight》里在中表现的“头声”部分，即便是女歌手也不容易发出的音域。何况高音因为高频率，极容易让人在听觉上感觉不舒服。
在这样一个高音域里在中的声音就像发出美妙声音的乐器，在整体谐调中绝不突出，完美的和音乐背景融合在一起。
在中能够做到这一点，是因为他的声音不是靠波长，而是恰到好处地附着在共鸣上。
把波长的短而尖锐的声音转换成共鸣来发声的身体控制能力，反过来也让我们知道，在中的腿的负伤多么妨碍唱歌。
站着唱歌是因为支撑身体的力点位置的原因。坐着的时候力点倾斜到脊椎上，可这个位置对于发声没有任何效率。
发声的力点在丹田的时候最有效，而站着的时候发声力点就在丹田。仅仅移动一下腿的位置也会发生折射（当然，普通人察觉不出）所以歌曲的难度越高，歌手唱歌时的姿势越发重要。
在出演“musicwe”节目中，唱《Hug》的时候成员们为了照顾腿不方便的在中统一坐在椅子上，可轮到唱《Tonight》的时候就不能继续坐在椅子上唱了。
这是因为像上面提到过的，姿势对发声产生极大的影响。没有必要唱高难度的歌还坐在椅子上，影响发挥。舞台也就变成在中坐着唱，其他成员站着唱。
《Tonight》这首歌对歌手能力的要求让一向追求完美的成员们也只能接受舞台形象上的不和谐（尽管这首歌需要的一大半能力都由在中扛着）。
看着在中坐在椅子上发出极限高音的场面，我感到无法说出口的感动，不仅仅是因为我是在中的歌迷，更因为客观上也能够看出歌手发声时，其身体内部承受的极大压迫该多么难受。
无法忘记在中好几次地变换姿势，苦苦努力调整身体的力点移动到丹田的样子。
因为绝大部分人都不知道一边唱歌一边清楚的掌握着身体力点的位置，是何等高深的技术，只好在此更加强调。
“难道共鸣真的是那么高深的技术吗？”让我来解答这个疑问。
如果不想“利用”声音，那么声带只是发出单纯的波长。把声带发出的简单波长调整到一定的频率，使声音共鸣让身体器官振动，需要很长时间的训练。
使声音共鸣很难，但只是执着于产生共鸣现象时，那么发出的声音，极有可能就是单纯的共鸣，就像吹笛子或者短箫，停留在声音的共鸣现象而已。
所以利用波长做成歌曲，再用歌曲共鸣空间的事情有多么难，只有亲自试过的人才能知道。
这种事实更让我觉得在中的声音尽管很美丽，同时又因为绝大部分的人都不了解其实力而感到心痛。
哭，还是不哭
艺术价值之一是用凝聚的完成品传达无法利用文字来表达的感情的细微之处，传达到内心多样化感性层面的号召力。
比起传统音乐或者美术，舞蹈，含有直接内容的歌，很长时间以来反映着人们的喜怒哀乐。所以说歌手的歌词传达能力，即表达一首歌想要表达的感情传达能力是让大众感动和呼应所必需的。在中的歌声富含的活生生的感性给平面化的东方神起音乐注入生命力。
怎样表达歌曲的感情，怎样的表达才是好的表达能力之类，没有课本式的解答。全靠歌手的悟性来号召，能用理论来说的清楚的少之又少。
就像上天赋予花朵的香气，用歌声来表达感情的能力也是天生的。在中在这方面的能力非常棒，结合在中的柔和的歌声，仿佛还有另外一名具有相同感情的演员在表演。
这方面的最好的例子就是前不表的 《My Destiny》
《相信》的中国语版本上也能感觉到，重要的不是文字化的歌词，而是理解歌词的基础上如何靠歌声的演绎，传达到听者的内心，使之感动的歌手与听者之间的沟通能力。（这种沟通能力也是充当世界共同语言角色的音乐的魅力）
超越语言的哀切，不懂歌词也能够感受到的恳切，使我再次认识到金在中这位歌手的能量。过后知道了歌词的内容，却比在中传达的感情浅得让我不得不感到几丝不尽如意。在此，有个问题得承认，因为在中的基础打的很好，无需去担心“发声”、“呼吸”之类的唱功问题，只需集中表现歌词要表达的感情，在这一点上，东方神起组合里唯有在中具有此种优势的。因为在中在发声的数学层面、技术层面上不受制约，可以自由自在发挥，在歌词的表达方面投入相当高的集中力。在中拥有的艺术感性如同测不出深度的大海，绝不会轻易露底。这才是我高度评价在中实力的核心。
演员哭出来，观众反而不会哭。演员努力忍着不哭的时候观众才会流泪。绝不爆发悲痛，隐忍着咽下的感性，并且会表现出这种感性的才能。这一切都在在中的歌声里。
写这篇评论的时候正是所谓歌迷们对在中的呼吸议论纷纷的时候。（特助：本文写作时间为2005年底）在这篇评论的回帖上有歌迷提到在中的呼吸问题。对此王子回复如下：
对在中呼吸方面的争论是故意的，企图“贬低”在中实力的行为。提出这种问题的歌迷绝不是在中的歌迷，更重要的是大部分提出者都没具备发声呼吸方面的正确知识。
此类人的指出根本不是忠告，更像是“诬陷”。本人听在中的歌，从没觉得‘呼吸粗’的感觉。对呼吸方面的问题，跟在中比起来o o成员（不想直接写出成员的名字）需要指点的地方多很多，为何咬住没任何问题的在中？让我不得不怀疑企图。我只能这样想，在发声方面实在是无法挑毛病，只好出此下策死咬呼吸。
呼吸既是发声的原动力，更是当做表现感情的触摸感的技术来使用。在中在适度的情况下把呼吸当做像毛笔的轻触一样使用在质感的表现上。
如果这个问题需要“忠告”，就算是“胳膊肘往里拐的歌迷”，本人都会义无反顾的指出。
还有关于神起的SMP和和声等部分，因为字数关系，我现在不能写了，我回答过一个问题 ，关于神起的歌曲难度系数，链接是://zhidao.baidu/question/371656210.html?oldq=1，你可以去看看
寻找一首歌其中一句歌词是“我看见是他越过了边界”
明明音乐是温暖的，声线是温柔的，故事是温馨的，歌词更是平白无华的，听完之后却止不住地红了眼眶，咸了嘴角。不知道这可否算得上是音乐的至高境界。
这是一个人悟透爱情后的豁达：对爱情的要求平淡得如水，不需要轰轰烈烈，细水流长也可以很幸福;而对爱情的向往是美好的。
纯粹得如《盛夏的果实》歌词写到：“时间累积，这盛夏的果实，回忆里寂寞的香气。”连分手后的寂寞也能这么美，活得落落大方，即使爱情来得再“慢”一点、再平淡一点也没关系。大概所谓的爱情应该就是细水长流 慢慢的吧 这才是最美好的样子!
谁能给我rurutia ＜迷失的蝴蝶＞的歌词？
歌曲:逃
歌手:陈明
制做:
风慢慢冷了
鸟儿飞了
浪漫的云朵
开始做梦了
寂静的海岛
树叶跌倒
一片片祈祷
被谁吹走了
慢慢慢慢说什么
一刀一刀割下寂寞样子
乱乱乱乱梦什么
满满满满都是你
怎么到你的天涯海角
如果能又怎能跌倒
我终于放了我的所有
就这样让他带着你逃
等不到我的天荒地老
碾碎爱将苦药煎熬
可是我给了我的所有
就这样让他带着你逃
风慢慢冷了
鸟儿飞了
浪漫的云朵
开始做梦了
寂静的海岛
树叶跌倒
一片片祈祷
被谁吹走了
慢慢慢慢说什么
一刀一刀割下寂寞样子
乱乱乱乱梦什么
满满满满都是你
怎么到你的天涯海角
如果能又怎能跌倒
我终于放了我的所有
就这样让他带着你逃
等不到我的天荒地老
碾碎爱将苦药煎熬
可是我给了我的所有
就这样让他带着你逃
怎么到你的天涯海角
如果能又怎能跌倒
我终于放了我的所有
就这样让他带着你逃
等不到我的天荒地老
碾碎爱将苦药煎熬
可是我给了我的所有
就这样让他带着你逃
就这样
让他带着你逃
分类: 音乐
问题描述:
最好中文也用名注音
解析:
RURUTIA，意为“惠みの雨”，如同久旱逢甘露一般的，恩惠之雨。
Lost Butterfly的封面上，雨滴般的珠帘，拼出旋律的线条。其后，Rurutia的身影若隐若现。
不同于弥漫着近乎残酷的欲望色彩的『爱し子よ』，不同于沙漠异域中急速行进的『月千一夜』，也不同于森林深处湖畔如精灵吟唱的『ゆるぎない美しいもの』，『ロスト?バタフライ』的视角是常人都能感触到的人世间。生生死死，相遇别离，迷茫彷徨，重复了千年的主题，在Rurutia诗般的词、温暖曲调和透明声线的诠释下，成为了治愈人心的歌谣。
一开场，Rurutia的声音便如蝴蝶扑翅般轻巧地流泻而出，随之而来的明快前奏确定了暖融融的主基调。如叹息般唤出了“Butterfly”一词。而后，则是一场倾诉的开始。
最初听这首歌时被曲调惊艳。待到听懂了歌词的大概时，完全被歌词吸引了过去。
『Butterfly 彷徨うよ 地下鉄は迷宫さ
はばたいても はばたいても 见つからない 出口』
『Butterfly 迷失彷徨 地铁如同迷宫
无论怎样展翅飞翔 无论怎样展翅飞翔 都寻不到 出口』
面前，仿佛出现一只洁白的蝴蝶，飞过地铁来来往往的人流之上，飞过暗无天光的隧道。整个世界都按部就班地运转，惟其彷徨。个人认为，Rurutia使用地铁作为背景再恰当不过，一只小小的蝴蝶对比熙熙攘攘的人群，漆黑的隧道指代看不到未来的低谷期。此外，地铁中的人们都明了自己的目的地和去向，等待列车来临，然后作为过客，载在列车上疾速离开。这样的归属感，恰好与蝴蝶那彷徨不知所措的心情构成对比。
Rurutia写的词多数具有强烈的意象感，使用丰富的词汇进行细致描述，构造出场景繁多、氛围独特的世界。『ロスト?バタフライ』中，这种细节意象的用却适当减少。除了第一段用蝴蝶的意象将听者导入了场景，主歌部分大都是最直接最质朴的倾诉。
『Someday もし君に そんな日が 访れたら
思い出して 思い出して 仆は此処にいるよ』
『Someday 若是你的生命中遭逢了这样的日子
请想起 请想起 我就在这里』
“若是你的生命中遭逢了这样的日子”一句，自然地把歌词从蝴蝶场景引导到了“仆”对“君”诉说的话语。“我就在这里”抚平了因彷徨而生的不安，暖流安然涌来。
主歌的一个特点是中途重复的关键乐句，直冲上高音段仿佛飞向天空。Rurutia的气声如疾风般穿过耳畔，吹拂去迷惘。
『幸せの意味はたぶん 心の数だけあって
だけど それじゃ多すぎて
见失う 仆ら』
『幸福的意义 大概有心的数量那么多（意译：每个人对于幸福的意义都看法不同）
可是 那岂不是太多太多
迷失的我们』
过渡段，情绪暗淡下来，音域转低，就像踌躇时低声的自言自语，怀抱一点点不确定，怀抱迷茫。随后，再次转折为明亮的氛围，进入副歌部分。
『さぁ 缲り返すような日常が
ゆっくり未来変えてゆく
焦るほど络みつく 梦というクモの糸
君が羽根焦がし飞ぶのなら
太阳さえ 届くだろう
美しく 溶ければいい 微笑み 见せながら』
『来吧 日复一日的平常生活
渐渐变作未来
名为梦想的蛛丝 焦急地缠绕
若你羽翼燃烧 展翅飞翔
连太阳也定能到达
美丽地溶化殆尽便好 在微笑绽放之时』
副歌部分节奏加快。如果说主歌部分蝴蝶仍旧踌躇地盘旋翩跹，副歌部分就是毫不犹豫地飞向彼方。
节奏的推进感和“日复一日的平常生活 渐渐变作未来”这句歌词结合的天衣无缝，仿佛“现在”行进到通往“未来”的路途上。同时，歌词从主歌的简单诉说，推进到了画面感的意象，让听者的思绪从适才的思索中飞翔到绚丽旋转的想象中。
“名为梦想的蛛丝 焦急地缠绕”——蜘蛛织网，象征为了梦想而进行的辛勤耕耘。而现在心头洋溢着热情和期待，急切地编织梦想。之后飞向太阳的情景更是传达了一种奋不顾身向着未来的目标前行的坚定信心。即使最后将消失，对于梦想的追求。也会使人微笑着毫不后悔地面对。这一段便是对于彷徨人们的励志。
副歌乐句结构和主歌有所相似——它的中途冲上全曲最高音，曲调的高度再次折射了高高飞翔，烘托出主题的 *** 。
第二大段的主歌部分曾让我感动到泪水盈眶。
『Anyway いつの日か 人は皆 别れゆく
それでもいい それでもいい 君に仆は会えた
Far away 离れても 幸せは祈れるよ
届かなくても 届かなくても 君の歌を作ろう』
『Anyway 总有一日 人们终将别离
即使那样也没关系 即使那样也没关系 至少我遇见了你
Far away 哪怕遥遥分离 我会祈愿你幸福如一
就算无法传递这份心意 就算无法传递这份心意 我也会写下你的歌』
美国诗人Robert Frost曾声称，诗就是那些翻译不出来的文字。的确，我痛恨自己的笨拙，无力清晰地传达Rurutia用简洁的语言便表达出的意境。
即使在人生交错的十字路口后相互离去，也从心底感激邂逅，将对方挂念在心——这样的歌词主题已经被人熟知，但当它与这段旋律结合在一起的时候，乐句的高低辗转顿时使歌词熠熠生辉。两段重复的乐句如灯火般点亮了整段歌词——“即使那样也没关系”、“就算无法传达这份心意”，再次安抚了因思念或分离而痛苦的灵魂。“会えた”（遇见）用气声叹出，回忆的剪影立刻被唤醒，充斥于脑海之中。“君の歌を作ろう”令我会心一笑，因为“仆”正在唱出为“君”写下的歌。
『生まれた意味は きっと
死にゆく时 気づける
だけど それじゃ遅すぎて
彷徨うよ 仆ら』
『降临世间的意义 定是在临死前才能意识到
可是 那岂不是太迟太迟
彷徨的我们』
这大概是曲中最黯然的一段诉说。每个人都会或多或少考虑过生存的目的和意义，那么多迷惘都因此而起。只可惜当局者迷，或许唯有在弥留世间的最后一刻才能醒悟。Rurutia点出这样残酷而直刺人心的事实，引发触动。
『さぁ 押し溃すような现実は
きっと君を変えるだろう
変われるから 君は君で 在り続けるのさ
君が声嗄らし叫ぶなら
三日月さえ 落ちるだろう
踌躇わず ゆくがいい かすかな光でも』
『来吧 碎裂溃散的现实 定会把你改变的吧
正因能够改变 你将保持自我 继续存在
若你声音嘶哑 纵声呐喊
就连新月也会坠落吧
毫不犹豫地前行便好 即使只是微弱的光芒』
有时我们安逸地生活在虚的温床上，直到真相揭穿，周围的一切、曾有的信念刹那间崩溃。经历改变我们，有了这些每日都会萌发的改变，才构成了一个独一无二的自己，继续生存。这一句的歌词意义稍显模糊，但我猜想，Rurutia或许是想鼓励我们，让我们不要畏惧或厌恶而遭受打击后产生的自身改变，因为正是那些改变，会成为你作为“你”的一部分。
前一大段副歌的“太阳”在第二大段变作“新月”，由燃烧的灼热色彩转划到了夜间的冷色调。新月的坠落，以及前行的自身光芒，定是带着璀璨光辉与热量划过暗色夜幕。与第一大段副歌整个画面都明亮燃烧的场景对比，第二大段中微小的光亮在漆黑夜幕衬托下更为眩目动人。
第一大段副歌重现，在升调的情况下达到了整曲最 *** 。像是渗透了阳光温暖的味道，像是滋润了清澈甘露的甜美，像是被推向最靠近云朵的地方，音符飞扬。
最终，重奏出Rurutia如蝴蝶翩跹般的lalala吟唱，回应开头。只不过，这次的lalala升调之后色彩明快，像是经受了整曲治愈的洗礼，坚定不移地微笑行进。
对于这首歌，Rurutia的评语为“氷の中で咲き続ける花达の、炎の中で目を开けようとする小さな命达の歌。”（在冰霜中一直绽放的花朵，与在火焰中尽力张开双眼的小小生命的歌）我个人看到这句评语的时候吓了一跳，因为自己聆听这首歌时根本没有联想到这些……毕竟，每个人所体会到的歌曲的意境是大不相同的。
我本不想用如此干枯的文字，近乎无聊地一段段解词析曲。我本想尝试用文字捕捉下听这首歌时自己脑中的闪过的层层风景。但我想，那样包含了太过私人化的经历与感受——这首歌的歌词是言之有物的，我愿意记录下自己对歌词的审视与解读，虽说同样带有个人色彩。
Rurutia的唱腔不是很主流，且经常使用她个人化的哑腔（嗲腔？就是那种故意嘶哑的咬字）造成不少人耳朵不适。然而在我心目中和KOKIA相似——声线都相当脱俗，带人进入虚幻的境界。Rurutia一人包办所有词曲，还与佐藤鹰合作，参与部分编曲工作，最大化地挥发自身的音乐及填词才华，表达着自己。
今天重看了『ロスト·バタフライ』的PV，Rurutia在珠帘的包围下，双手置在胸前投入地歌唱。PV拍得很简单，没有华丽的装束，也没有吸引眼球的舞蹈，仅仅是静静地传达歌声。竖琴、吉他、钢琴不断闪过画面。有意思的是乐器的表面都折射出浮光流云的蔚蓝天空，似乎想告知听者，这些乐器将奏响天空般的广阔风景。
的确，Rurutia的音乐中有着值得一遍遍细看的风景。迷乱的、空灵玄幻的、如宗教般洁净人心的……
“现今音乐在宣传中投入大量费用。与这样的时代相对，ルルティア的音乐，将献给那些拥有聆听音乐并纯粹产生共鸣的感性的人们。”（译自Rurutia官方网站）
蝴蝶彷徨在 迷宫一般的地铁
即使拍打翅膀 拍打翅膀 也找不到出口
如果哪一天 你遇到这样的曰子
请你想起 请你想起 还有我在这里
幸福或许仅仅意味着
心灵的歌
但是 也许幸福太多
我们转眼就迷失了
啊 日复一日平淡的生活
慢慢改变着未来
令人焦急纠缠着的 梦想这条救命的绳索
只要你奋力飞翔
就能到太阳那里
美丽地微笑着
融化也很好
总之 不知什么时候
人们都要分别
那样也好 那样也好
我已经遇见了你
即使远远地分离
还能为你祈祷幸福
即使无法传递 无法传递
也为你作歌
出生的意义 一定
在将死之时会明白
但是 那样太晚了
我们只能彷徨
啊 一触即溃的现实
一定会改变你吧
即使能改变
你还是你
如果你声音嘶哑地呼喊
即使新月也会震落吧
不要犹豫 去吧
即使只有一线光明
啊 曰复一曰平淡的生活
慢慢改变着未来
令人焦急纠缠着 梦想这条救命的绳索
只要你奋力飞翔
就能飞到太阳那里
美丽地微笑着
融化也很好
